Un mundo sin colores

De las exposiciones que más me llamaron la atención de las clases de cultura de esta semana, una en particular despertó un gran interés y ciertas dudas al respecto: la crónica de un concierto acromático. Se trata de un espectáculo que llena salas de fiestas y de conciertos y que atrapa cada día a más gente. El cantante, no percibe los colores a través de la vista, y por ello ha creado su propio código musical para ello. Al tocar cada color, aparece como por arte de magia un sonido que, en su cabeza, representa un color. Sigue sin verlo, pero la melodía le guía para hacer su día a día lo más parecido posible al nuestro.

Pero esto no es suficiente, y quería saber más al respecto. Cómo se da esta asociación, qué sensaciones despierta... Y por ello para saber, hay que inventigar, e ir más allá de lo que sabemos, y aprender nuevos conceptos, como el de la escala cromática, también llamada escala dodecáfona o duodécuple,es la escala que contiene los doce semitonos de la escala temperada occidental.

 

Todas las otras escalas en la música occidental tradicional son subconjuntos de esta escala. Cada nota está separada de sus vecinas superior e inferior por el intervalo de medio tono. En la música tonal y otros tipos de música esta escala es poco usada fuera de los usos decorativos ascendentes o descendentes que no tienen ninguna dirección armónica y se considera clichés. El término "cromático" es comprendido por los músicos para referirse a la música que incluye las notas que no son parte de la escala principal, y también como palabra descriptiva para esas notas particulares no diatónicas.

¿De dónde viene esta asociación música-colores?

Los griegos analizaban los géneros usando varios términos, entre ellos diatónico, enarmónico y cromático, siendo el último con el color entre los dos otros tipos que fueron considerados como modos negro y blanco. El género cromático contenía una tercera menor en la parte superior y dos semitonos en la inferior creando una cuarta justa en los extremos. Sin embargo, el término más cercano usado por los griegos para nuestro uso moderno de "cromático" es pyknon o la densidad ("condensación") de los géneros cromáticos o enarmónicos.
A medida que la tonalidad comenzó a expandirse durante la segunda mitad del siglo XIX, con nuevas combinaciones de acordes, tonalidades y armonías que se empleaban, la escala cromáticas y el cromatismo comenzaron a usarse más frecuentemente, en especial en las obras de Richard Wagner, tales como la ópera Tristan und Isolde.
Como la armonía tonal continuó extendiéndose, la escala cromática siguió siendo parte de la base de la música moderna en el dodecafonismo, donde una serie dodecafónica es una ordenación específica de la escala cromática, y del posterior serialismo. Aunque estos estilos/métodos continúan (re)incorporando la tonalidad o elementos tonales, a menudo las tendencias que llevaron a estos métodos fueron abandonadas, por ejemplo la modulación.
Susan McClary (1991) argumenta que el cromatismo en la narrativa de la ópera y la forma sonata puede ser mejor comprendida como el "otro", racial, sexual, socialmente u otros, del propio diatonismo "masculino". También fue trasladado el cromatismo a través de la modulación, a una área de tonalidad vecina, u otros medios. Por ejemplo, Clement llama al cromatismo en la Isolde de Wagner "olor femenino" (Opera, 55-58, de McClary pág. 185sig). Sin embargo, McClary también anota que las mismas técnicas usadas en la música para representar la locura en la mujer representan históricamente la vanguardia en la música instrumental, "en la sinfonía del siglo XIX, el atrevido cromatismo de la ópera Salomé de Richard Strauss es lo que distingue una composición realmente seria de la vanguardia de un trabajo hecho de clichés recortados.

Para los músicos acromáticos, todo esta teoría es la que lleva a la creación de nuevos métodos y herramientas que, gracias a la tecnología, hacen que su mundo tenga algo más de color, y le acompañe una buena melodía.